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Il Besta incontra l'Arte
Brera & Besta:
Brera & Besta:
la bellezza omaggia la Cura,
le Donne e Milano
Un ospedale è un luogo di cura, di fragilità e speranza, di attese e di incontri.
L'arte può abitare questi spazi come una presenza discreta, alleggerendo il carico emotivo di pazienti, familiari e operatori, offrendo sguardi nuovi su oggetti, volti, luoghi che rappresentano il nostro quotidiano. Da questa idea nasce “Brera & Besta: la bellezza omaggia la Cura, le Donne e Milano” il progetto curato dall'Associazione Amici di Brera con la Pinacoteca di Brera per la nuova palazzina ambulatoriale della Fondazione IRCCS Istituto Neurologico Carlo Besta di Milano. Un incontro tra eccellenze della città unite dalla volontà di veicolare, attraverso la bellezza dell'arte, un messaggio di accoglienza, cura e condivisione.
È in questa prospettiva che l'arte entra al Besta: non come semplice elemento decorativo, ma come presenza capace di modificare lo spazio e il modo in cui lo si vive e attraversa.
I dipinti sono stati selezionati per la loro capacità di evocare temi, emozioni e dimensioni dell'esperienza umana connessi alla realtà dell'Istituto. La cura intesa come attenzione all'altro, con gesti che richiamano la gentilezza, l'accoglienza, la serenità. Le protagoniste della cura sono spesso le donne: madri, mogli, sorelle, amiche, ma anche gran parte del personale sanitario dell'Istituto. I personaggi scelti, i loro volti e i gesti, sono un omaggio a tutte loro. Infine, la città di Milano che lega il patrimonio artistico alla città dove il Besta è stato fondato più di 100 anni fa e da dove guarda al suo futuro.
Il percorso espositivo, che si sviluppa lungo i 5 piani dell'edificio, è un invito a osservare l'arte da un punto di vista diverso, alternando la visione dell'opera nella sua interezza a alcuni dettagli ingranditi. Il particolare cambia la distanza con cui siamo abituati a osservare un dipinto e invita a soffermarsi, cercare, riconoscere, lasciando che ogni frammento possa aprire nuove interpretazioni dell'immagine. Un meccanismo che richiama il modo in cui il cervello raccoglie e rielabora continuamente dettagli trasformando l'incontro con l'arte in uno stimolo alla curiosità, all'attenzione e alla scoperta.
All'interno dell'ospedale l'arte può così offrire un modo diverso di vivere il tempo dell'attesa. Non semplicemente un tempo da riempire, ma uno spazio da abitare attraverso uno sguardo, un ricordo, un'emozione o una scoperta. E può diventare anche un ponte verso la città invitando a conoscere dal vivo quei capolavori e i luoghi che li custodiscono.
L'opera proviene dalla collezione di Emilio e Maria Jesi, appartenuta precedentemente a Vico Baer, amico e grande collezionista dell'artista, e alla Galleria 'Il Milione', dalla quale viene acquistata dai noti collezionisti e successivamente donata a Brera nel 1976.
La città che sale è dedicata alla Milano urbana, riprodotta nel suo frenetico progredire verso la modernità, colta con singolare efficacia dell'artista. Realizzato a tempera su cartone e di dimensioni contenute, il dipinto è uno degli studi preparatori della grande tela The City rises (1910-1911, cm 199 x 301) conservata al Moma di New York. Definita dall'artista stesso una “sintesi del lavoro, della luce e del movimento”, l'opera restituisce la sensazione di una scena cittadina in atto, non descritta nei dettagli, ma suggerita e percepibile nel suo ritmo e nei suoi colori, con uomini, cavalli, strade e palazzi che si mescolano e si confondono nella frenetica energia del progresso d'inizio secolo: alti edifici in costruzione e fumose ciminiere in lontananza fanno da sfondo alla sequenza in primo piano, dove energici cavalli recalcitranti appaiono trainati da operai che, sopraffatti dalla foga degli animali, ne vengono a loro volta trascinati al suolo.
Boccioni giunge nel 1909 a Milano, in anni di rapida evoluzione tecnologica e industriale, e trova nella vita contemporanea materiale da sperimentare figurativamente in base ai principi futuristi di dinamismo, simultaneità, velocità. Le figure in proscenio appaiono disposte lungo una precisa direzione, da destra a sinistra, riprodotte in movimento grazie alla particolare tecnica divisionista adottata dall'artista: lunghe pennellate contrastate, di colori puri e accesi, accostate in andamenti obliqui e vibranti, che danno vita, luce e energia all'azione.
Testo elaborato con la collaborazione della dottoressa Marina Gargiulo, Funzionario Storico dell'Arte Mic - Pinacoteca di Brera e Palazzo Citterio.
Un dopo pranzo (Il pergolato), realizzato da Silvestro Lega nel 1868 e oggi conservato alla Pinacoteca di Brera, nasce dalla materia impalpabile di un istante quotidiano e ne restituisce intensità. In un pomeriggio d'estate, sotto l'ombra di un fitto pergolato, alcune donne conversano, in attesa della domestica che avanza con un vassoio e il bricco del caffè. Alle loro spalle, il giardino è ornato da vasi di terracotta, mentre la luce si fa intensa, accende la vegetazione e proietta lunghe ombre sul viottolo.
Fedele alla propria poetica, Lega sceglie un soggetto semplice, privo di avvenimenti eccezionali, e lo osserva con un'aderenza quasi fotografica al vero. I dettagli - i ciuffi d'erba tra le mattonelle, il ritmo dei sostegni della pergola, le variazioni della luce - contribuiscono a dare alla scena una straordinaria intensità percettiva. Lo sguardo non incontra un unico centro dominante, ma percorre lentamente l'immagine, muovendosi dalle figure alle zone d'ombra fino al giardino assolato.
Alla visione sembrano allora sovrapporsi altre percezioni: il movimento dell'aria tra le foglie, il rumore dei passi, il tintinnio delle tazze, il profumo del caffè. La mente completa ciò che la pittura lascia intuire, richiamando sensazioni ed esperienze personali. Quel pomeriggio lontano finisce così per appartenere anche alla memoria di chi guarda.
La grandezza di Lega risiede proprio nella capacità di attribuire valore a ciò che normalmente passa inosservato: una pausa, un'attesa, un rito domestico. Il dipinto ci ricorda che vedere e guardare non coincidono. Guardare richiede tempo e attenzione; più ci soffermiamo, più emergono dettagli, relazioni e sensazioni.
Da oltre un secolo e mezzo, sotto quella pergola, il vassoio continua ad avanzare verso un caffè che non sarà mai servito. Lega ha sottratto un frammento di quotidianità al suo destino effimero, mostrando come la pittura possa sospendere il fluire del tempo e consegnarlo alla durata dello sguardo.
Testo elaborato con la collaborazione della dottoressa Valentina Ferrari, Funzionario Storico dell'Arte Mic - Pinacoteca di Brera.
Milano, 1880. Prima dei paesaggi alpini che lo renderanno celebre, il giovane Segantini osserva la città. Nel Naviglio a Ponte San Marco l'acqua, le case, i ponti, le barche e una folla minuta diventano il luogo nel quale il giovane artista comincia a interrogare una delle grandi protagoniste della sua pittura: la luce.
Il Naviglio conduce lo sguardo in profondità. Il grande arco, riflettendosi nell'acqua, sembra chiudersi su sé stesso, mentre le architetture delle rive accompagnano l'occhio verso il fondo. Piccole figure passeggiano, abiti chiari e ombrellini punteggiano la scena, palloncini si levano nel cielo.
Ma è soprattutto l'acqua a trasformare ciò che vediamo. Sulla sua superficie edifici, imbarcazioni, cielo e luce perdono consistenza: le forme si allungano, i colori si mescolano, i contorni si dissolvono. Città reale e riflessa sembrano fondersi. Segantini suggerisce così che vedere non significa semplicemente registrare la realtà, ma ricostruirla continuamente attraverso lo sguardo.
La luce intensifica questa esperienza: scivola sulle facciate, accende le figure e raggiunge l'acqua, dove si frantuma in vibrazioni cromatiche. Siamo ancora lontani dalla tecnica divisionista degli anni successivi, ma emerge già la sensibilità dell'artista per una luce capace non soltanto di illuminare le cose, ma di trasformarne la percezione.
Anche la distanza modifica ciò che vediamo. Da lontano riconosciamo una veduta urbana; avvicinandoci, la realtà si dissolve in pennellate, tocchi di colore, luci e ombre. È la nostra mente a ricomporre quei segni trasformandoli nuovamente in acqua, pietra, cielo e figure.
Quella Milano è ormai scomparsa e il Naviglio di San Marco è stato coperto. Eppure sulla tela l'acqua continua a scorrere, le figure ad attraversare il ponte, la luce a riflettersi sulla sua superficie. Segantini non conserva soltanto ciò che è stato: lo rende nuovamente presente ogni volta che qualcuno si ferma a guardare.
Testo elaborato con la collaborazione della dottoressa Valentina Ferrari, Funzionario Storico dell'Arte Mic - Pinacoteca di Brera.
Carlo Carrà dipinge La camera incantata nel 1917 come una vera e propria stanza, popolata da figure volumetriche, solidi colorati e oggetti geometrizzati, in sistemazioni apparentemente casuali, dominate da misteriosi manichini prelevati dal repertorio figurativo della Metafisica. Lontano dal senso di smarrimento e irrealtà angosciante delle scenografie di Giorgio de Chirico, Carrà interpreta i soggetti con maggiore sensibilità pittorica, attribuisce alle forme toni accesi e fortemente contrastanti: spazi e oggetti appaiono tangibili, definiti, ipoteticamente plausibili, e restituiscono l'impressione di un luogo intimo e rassicurante. Nella stanza compaiono un busto sartoriale, con aggiunte meccaniche di eco futurista, una testa di cuoio con sopra una parrucca, un pesciolino d'argento, un amo da pesca, una meridiana, un peso da palestra, un cubo, un tubo di ferro, tutte presenze che riempiono una quotidianità consueta e familiare. Anche la stanza appare strutturata come una scatola prospettica, geometricamente studiata in base a un punto di fuga coincidente con l'unica apertura: lo schermo nero di una porta buia, che segna il limite fra l'interno, spazio quotidiano tranquillo e confortante, e il mondo esterno, vissuto personalmente allora dall'artista come esperienza negativa.
In quello stesso anno infatti Carrà era stato chiamato alle armi, ma per ragioni di salute viene trasferito presso l'ospedale militare per nevrosi di guerra di Villa del Seminario vicino Ferrara, dove incontra fra i pazienti Giorgio de Chirico. All'artista viene riservato fortunatamente un trattamento speciale, gli viene assegnata come parte della terapia una stanza dove poter dipingere liberamente. Ed è così che, suggestionato dal compagno di degenza, in quei mesi di ricovero le stanze dell'ospedale si trasformano in fantasiose ambientazioni, colorate e evocative di storie e ricordi.
Testo elaborato con la collaborazione della dottoressa Marina Gargiulo, Funzionario Storico dell'Arte Mic - Pinacoteca di Brera e Palazzo Citterio.
I gesti delle donne che assistono sant'Anna, le mani rivolte alla neonata e i preparativi per il primo bagno di Maria compongono una trama di attenzioni condivise. Osservare queste azioni e ritrovarle nell'insieme permette di riconoscere come la cura prenda forma in gesti quotidiani e in relazioni tra persone: un tema centrale nel percorso dell'Istituto Besta.
La storia deriva dal Protovangelo di Giacomo, un testo apocrifo del II secolo. Gioacchino e Anna, ormai avanti negli anni e senza figli, ricevono separatamente da un angelo l'annuncio della nascita di una bambina. Gaudenzio Ferrari rappresenta la nascita di Maria come una scena domestica, piena di vita e di cura: sant'Anna, distesa su un letto a baldacchino, è assistita da alcune donne che le sistemano il cuscino, le portano acqua e le servono un pasto; in primo piano altre donne si preparano a lavare Maria.
L'opera era la pala d'altare della cappella Cavalcabò-Trivulzio nella chiesa di Santa Maria della Pace a Milano. La decorazione, affidata a Gaudenzio Ferrari, fu ultimata nel 1543. Il pittore, originario di Valduggia e attivo a Milano dal 1537, era allora particolarmente apprezzato dall'aristocrazia cittadina. Alcune figure sullo sfondo mostrano l'intervento della sua bottega.
Testo elaborato con la collaborazione della dottoressa Cristina Quattrini, Funzionario Storico dell'Arte Mic - Pinacoteca di Brera.